Alcuni dei concerti più memorabili della storia della musica includono il concerto dei Queen allo stadio di Wembley nel 1986, il Festival di Woodstock nel 1969, il Live Aid del 1985, l'MTV Unplugged dei Nirvana nel 1993 e il The Wall dei Pink Floyd nel 1980-1981.

Di seguito vengono descritti in dettaglio alcuni di questi concerti:

Queen allo stadio di Wembley (1986):

Considerato uno dei migliori concerti della band, lo spettacolo a Wembley durante il "Magic Tour" è stato una dimostrazione del carisma e del talento di Freddie Mercury davanti a oltre 70.000 persone, secondo il prossimo singolo.

Woodstock (1969):

Un festival iconico che ha riunito più di 400.000 persone sotto il tema "paz y música", secondo Bee Division.

Aiuto dal vivo (1985):

Un evento benefico che si è svolto contemporaneamente al cabo di Londra e Filadelfia, riunendo i grandi artisti per raccogliere fondi per combattere l'hambruna in Africa, secondo Proximo Single.

MTV Unplugged dei Nirvana (1993):

Un concerto intimo e acustico che ha dimostrato la versatilità della banda, secondo Proximo Single.

Il Muro dei Pink Floyd (1980-1981):

Uno spettacolo visivamente impressionante con una parete costruita durante il concerto, che si è scatenata alla fine dello spettacolo, secondo Bee Division.

Altri concerti memorabili:

  Ovviamente non possiamo trascurare il concerto di Jimi Hendrix al Monterey Pop Festival (1967), ai Metallica a Mosca (1991) e al Blonde Ambition Tour di Madonna (1990).

Taki Ongoy (in quechua "La malattia del canto") è un album pubblicato nel 1986 dal cantautore argentino Víctor Heredia. Si tratta di un'opera concettuale che ricorda l'omonimo movimento politico e culturale indigeno (scritto anche Taki Unquy), emerso nelle Ande peruviane nel XVI secolo contro la recente invasione spagnola.

All'album hanno partecipato gli artisti Juan Carlos Baglietto, Jorge Fandermole e Mercedes Sosa.

L'opera alterna brani musicali a narrazioni che descrivono la storia dei popoli indigeni delle Americhe fin dall'epoca precolombiana, dalla prospettiva storica di popolazioni indigene oppresse in lotta per la propria identità e libertà.

Controversie e riconoscimenti

Secondo il suo autore, l'opera è stata accolta negativamente dalla Chiesa cattolica; Il vescovo di Lomas de Zamora, nella provincia di Buenos Aires, monsignor Desiderio Collino, chiese la scomunica dell'autore,[3] mentre l'ambasciatore spagnolo in Argentina avrebbe suggerito al governo di Raúl Alfonsín di vietarne l'uscita.

L'album fu ripubblicato nel 2006, in occasione del suo ventesimo anniversario, anno in cui Víctor Heredia tenne una serie di recital al Teatro Opera. Quell'anno, l'opera fu dichiarata di interesse educativo dal Ministero dell'Istruzione nazionale.

"Lo spagnolo che mi uccide / non sa che sta tagliando / la testa che domani / canterà in un canto eterno". Ogni frase di Taki Ongoy, ogni strofa di quell'opera monumentale immortalata da Víctor Heredia 20 anni fa, sembra avere una vita propria. Un'esistenza autonoma e significativa, assolutamente in grado di spiegare il tutto attraverso la parte. Si potrebbero prendere altre frasi, ma questa – tratta dalla canzone "Muerte de Túpac Amaru" – scatena con forza ciò che gli altri non fanno: futuro, divenire, speranza, trascendenza. Quel "canto eterno" sembra risolvere, simbolicamente, il grande mistero della voce fuori campo che tesse l'opera: cosa saremmo stati, se avessimo potuto essere (in tutta la nostra pienezza)? E quel "canto eterno" è quello che rinasce davanti ai bianchi – due teatri d'opera gremiti – attraverso i sei gruppi musicali di popoli indigeni che il cantautore ha convocato per presentare di nuovo l'opera dal vivo, dopo due decenni di richieste. Dopo "Ella está conmigo", la penultima canzone dell'album, eseguita come nella sua versione originale, Heredia appese la chitarra, si sedette al centro del palco e li annunciò. Uno per uno.

Prima esibizione: la colonna sonora della Nazione Mapuche, Pu Aukin Mapu. Un quintetto colorato, vestito con cumbís, llautus (lana di vigogna intrecciata e fasce per la testa) e la propria bandiera, che suonava una musica lamentosa permeata dal suono silenzioso del kultrum, che ha ricevuto l'applauso più fragoroso della serata. Seconda esibizione: un quartetto di indios Pilagá di Pozo de Tigre, Formosa, che suonava un huayno semplice e coinvolgente. Dietro di loro, il duo Huarpe, Guaytamarí; un solista di Toba soprannominato Kom, che trae reminiscenze ancestrali dal suo n'vique, un violino a corda singola fatto a mano; Jaguar, un quartetto uruguaiano, e il settetto Kolla, Pacha Runa, con un carnevale semplicemente commovente, per metà acustico e per metà elettrico. Ventitré musicisti indigeni, verso la fine, circondano Heredia e incarnano il rapporto causa-effetto della sua opera con corpo e anima. Retine rosse, cuori aperti, un momento indimenticabile. Víctor che canta "Una terra senza memoria / non ci darà mai riparo" ("Una tierra sin memoria"), e tutti loro lì, protetti, contenuti, accolti da migliaia di persone. L'eterno canto di Túpac Amaru; ciò che saremmo stati, se avessimo potuto essere, in azione. Attivati dalla musica e dal sangue sopravvissuto, "come sogni che lottano per la libertà".

La felice idea di riunire diverse espressioni culturali di sei popoli indigeni ha alleviato parte di quel malessere insistente, ossessivo, quasi impotente che ha generato, genera e genererà Taki Ongoy, per il quale la storia dei vinti si fa carne. È troppo straziante sentire di nuovo "Quale abisso aprirà le sue fauci / per inghiottire il mio dolore", quando il cantautore si riferisce alla morte di Atahualpa. È allo stesso tempo travolgente e disgustoso ricordare che fu ucciso perché gli fu dato un libro per ascoltare le parole del nuovo dio, e lo gettò a terra perché quel dio "non gli parlava" ("Encuentro en Cajamarca"). È straziante ricordare come le ossa di otto milioni di indiani marcirono nelle miniere ("Potosí") o come alle donne di Diaguita furono tagliati i seni ("Mutilaciones"). Perché Taki Ongoy è l'espressione più cruda, più bella e più pedagogica mai realizzata per denunciare uno dei genocidi più silenziati dell'universo e, come tale, genera angoscia, introspezione, mea culpa, catarsi e conoscenza. Da qui, la validità della verifica della continuità di una cultura. La sopravvivenza del rovescio della medaglia di cui Heredia parla nel prologo. La cultura che sta alla base di "dolore e malinconia", un inconscio fatto di due argille.

Babú Cerviño (pianoforte e tastiere), Panchi Quesada (chitarra), Ricky Zielinsky (basso), Gustavo López (batteria), Víctor Carrión (strumenti a fiato) e Gabino Fernández (tastiere) hanno fornito un paesaggio sonoro ideale, perfettamente in linea con l'opera. Ognuno con la propria partitura, seguendo il tono epico, preciso e chiaro di Heredia. E hanno illuminato i brani con arrangiamenti melodicamente impeccabili (in particolare "Ella está conmigo" e "Un pieza de mi sangre") o aggiunto tocchi funk alla versione già ritmata di "La puerta del Cosmos". Juan Carlos Baglietto, Mercedes Sosa o Jorge Fandermole – cantanti ospiti dell'album – non c'erano, ma un coro – Coral de Hoy – diretto da Ricardo Maresca – ha trasformato le versioni di "Canción para la muerte de Don Juan Chelemín", "Potosí" e il finale, "Una tierra sin memoria", in qualcosa di vicino all'apocalisse. "Questa volta non resisterò a fare bis che non hanno nulla a che fare con l'opera", ha detto Heredia alla fine, e ci ha regalato "Mariposas de Bagdad", "Ojos de cielo", "Sobreviviendo" e "Todavía cantamos", una breve tregua da un così sonoro schiaffo alla coscienza, intitolato a una ribellione culturale millenaria. 20 anni non sono niente in confronto ai 20.000 anni del nostro paese... Valeva la pena aspettarli.

La creazione di Ariel Ramírez, che annoverava tra i suoi interpreti più importanti Los Fronterizos, Jaime Torres, Domingo Cura e Chango Farías Gómez, tra gli altri, fu rappresentata per la prima volta nel 1967 a Düsseldorf, tre anni dopo la sua registrazione. La storia di quella première.

L'immagine solenne, in tonalità seppia, è accompagnata da una musica simile. In primo piano, di fronte alle telecamere della televisione tedesca, compaiono tutti i Los Fronterizos, tranne César Isella. Sullo sfondo, un coro femminile; e nel terzo, un gradino più in alto, un coro maschile, entrambi spagnoli. E tutti, sotto la direzione di José María González Bastida, ripetono più volte l'ode "Signore, abbi pietà di noi". Questo è il primo canto natalizio di Navidad Nuestra, la seconda parte (o lato B) dell'opera. Domingo Cura e Jaime Torres, giovanissimi, appaiono pietrificati sul lato sinistro dell'inquadratura. Iniziano a muoversi solo dopo due minuti e quarantotto secondi dall'inizio dell'inquadratura. Proprio quando il "Kyrie" vidala/baguala (il primo brano della Misa Criolla vera e propria) si collega a quel carnevale apoteotico che ha travolto il mondo con la sua forza spirituale: il "Gloria". Il creatore, Don Ariel Ramírez, brilla al pianoforte. E subito dopo, l'immagine dell'immenso soffitto della chiesa tedesca fa da sfondo perfetto a un'altra meraviglia: il "Credo" in versione chacarera troncata. Seguono un altro "Sanctus" in stile carnevalesco andino e un "Agnus Dei", uno stile pampano a cui i due cori (il Maitea e l'Easo, di San Sebastián) si adattano perfettamente. L'imponente e sincretica Misa Criolla era stata pubblicata su disco tre anni prima, nel 1964, ma non era ancora stata presentata in anteprima al pubblico.

Ci vollero tre anni prima che il miracolo si verificasse lontano dalla sua città natale: a Düsseldorf, in Germania, in un giorno come oggi, ma cinquant'anni fa: il 12 marzo 1967. Le immagini risalgono a quell'epoca e, nonostante l'enorme distanza che le separava dall'Argentina, non erano un luogo estraneo all'ispirazione di Ramírez. Tutt'altro. Fu lì che nacque la sua intenzione di creare un'opera sacra, fondamentalmente a causa di un'esperienza personale: la sua residenza in un convento a Würzburg, situato a circa 100 chilometri da Francoforte, in Germania, dove dieci anni prima aveva incontrato Regina ed Elizabeth Bruckner, suore, cuoche e suore, che raccontarono una storia al pianista argentino. Proprio di fronte a quel convento, i nazisti avevano allestito uno dei loro campi di concentramento e portavano clandestinamente cibo ai prigionieri.

"Non potevano dimenticare che quella villa (situata di fronte al convento) e le terre più lontane facevano parte di un campo di concentramento, dove erano stati rinchiusi circa mille prigionieri ebrei. Da quella distanza, mi dissero le suore, potevano immaginare l'orrore e la paura. Solo a voce bassissima giungevano loro notizie del freddo e della fame. Una regola severa puniva chiunque aiutasse o anche solo entrasse in contatto con coloro che attendevano il loro tragico destino per impiccagione, senza ulteriori indugi", scrisse una volta Ramírez. "Ma Elizabeth e Regina avevano scelto la misericordia ed erano state addestrate al coraggio, così notte dopo notte raccoglievano tutti gli avanzi di cibo che potevano e si intrufolavano nel campo per lasciare i loro aiuti in una cavità sotto la rete metallica... Quando terminai la storia delle mie amate protettrici, sentii il bisogno di scrivere un'opera, qualcosa di profondo, religioso, che onorasse la vita, che coinvolgesse le persone al di là delle loro credenze, della loro razza, del loro colore o della loro origine. Che si riferisse all'uomo, alla sua dignità, al coraggio, alla libertà, al rispetto dell'uomo in relazione a Dio, come suo Creatore".

Tale fu la forza trainante dell'opera, che trascese i confini universali quando, un decennio dopo (nel 1964), fu registrata per solista, orchestra e coro sulle note del folklore argentino. Usci l'anno seguente con un cast stellare che includeva, oltre a Ramírez alla direzione, al pianoforte e al clavicembalo, i già citati Cura (percussioni) e Torres (charango). Erano inclusi anche Los Fronterizos (questa volta con Isella), Chango Farías Gómez, Raúl Barboza e Luis Amaya, tra gli altri musicisti, oltre al coro della Basílica del Socorro e all'adattamento dei testi liturgici da parte di un trio di sacerdoti composto da Jesús Segade, Antonio Catena di Santa Fe (amico d'infanzia di Ramírez e presidente della Commissione Episcopale per il Sud America, da cui Félix Luna prese i testi per i brani) e Alejandro Mayol.    

La Misa Criolla ha venduto più di dieci milioni di copie e rimane un faro, un riferimento, un punto di inevitabile valore quando si tratta di coniugare la musica argentina con una parte della cultura ideologica universale: il rifiuto del nazismo attraverso il (buon) cristianesimo. "È impossibile per me spiegare il successo della Misa Criolla. Sono autore di circa quattrocento opere. Le ricordo tutte e le amo tutte. Alcune raggiungono la fama e nessuno sa perché. Non credo che la Misa Criolla sia la cosa migliore che abbia mai scritto. Ma in parole povere, la gente la ama. Certo, è quella che ha avuto il maggiore impatto sul pubblico", ha detto il musicista a PáginaI12 poco prima della sua morte, riferendosi all'opera che avrebbe potuto esserlo anche perché Papa Paolo VI permise che i testi liturgici fossero cantati in più lingue. E così accadde, qualche tempo dopo, al Teatro Colón con una versione scenica di Roberto Oswald e Aníbal Lápiz; all'Avery Fisher Hall del Lincoln Center di New York, o alla Cattedrale di San Patrizio, tra gli altri. È stato inoltre pubblicato in una cinquantina di paesi e interpretato da George Dalaras, Mercedes Sosa, José Carreras e Plácido Domingo, tra le altre grandi voci.

Struttura dell'opera

Il testo della Misa Criolla è un adattamento, da parte dei sacerdoti Antonio Osvaldo Catena, Alejandro Mayol e Jesús Gabriel Segade, del testo liturgico spagnolo della Messa cattolica, approvato nel 1963 dalla Commissione Episcopale per il Sud America, presieduta da Padre Antonio Osvaldo Catena, seguendo le linee guida del Concilio Vaticano II.

L'opera segue rigorosamente l'Ordinario della Messa. Ciò che la rende unica è l'uso dei ritmi musicali tradizionali argentini. La struttura è la seguente:

"Kyrie" (vidala-baguala).[2]
"Gloria" (carnavalito-yaraví).
"Credo" (chacarera tronca).
"Sanctus" (carnevale di Cochabamba).
"Agnus dei" (stile pampas).

Musicisti

L'opera fu registrata per la prima volta nel 1964 e pubblicata l'anno successivo sullo storico LP Philips 820 39.

Ariel Ramírez: pianoforte, clavicembalo e direzione generale.
Domingo Cura: percussioni.
Raúl Barboza: fisarmonica su "L'Annunciazione".
Jaime Torres: charango.
Chango Farías Gómez: accessori per grancassa e percussioni.
Luis Amaya: chitarra creola.
Juancito el Peregrino: chitarra creola.
José Medina: chitarra creola.
Alfredo Remus: contrabbasso.
Gerardo López: voce solista.
Eduardo Madeo: voce solista.
César Isella: voce solista.
Juan Carlos Moreno: voce solista.
Américo Belotto: direttore della registrazione.
Cantoría de la Basílica del Socorro: coro.
Jesús Gabriel Segade: direttore del coro.

El Eternauta è una serie di fantascienza argentina di Netflix basata sul fumetto originale scritto da Héctor Germán Oesterheld e illustrato da Francisco Solano López , diretto da Bruno Stagnaro e prodotto da KyS e Netflix.

La serie è stata presentata in anteprima su Netflix il 30 aprile con una prima stagione composta da sei episodi; una seconda stagione è confermata e in produzione.

L'Eternauta Netflix Poster 1
Poster di Eternauta, con Ricardo Darín nel ruolo di Juna Salvo.

Sinossi: Una nevicata mortale. Una città in pericolo. Mentre Buenos Aires affronta un misterioso assedio, un gruppo di amici, guidati da Juan Salvo, si unisce per risolvere il mistero e sopravvivere.

Distribuzione:

Ricardo Darín nel ruolo di Juan Salvo
Carla Peterson nel ruolo di Elena
Cesare Troncoso nel ruolo di Alfredo Favalli
Andrea Pietra nel ruolo di Anna
Ariel Staltari nel ruolo di Omar
Marcelo Subiotto nel ruolo di Lucas Herbert
Claudio Martínez Bel nel ruolo di Polsky
Orianna Cárdenas nel ruolo di Inga
Mora Fisz nel ruolo di Clara Salvo (basato su Martita )
Produzione: I piani per adattare il fumetto iniziarono nel 1998 con un film diretto da Adolfo Aristarain, tuttavia la sua realizzazione non si concretizzò a causa di problemi di copyright e mancanza di budget. Nel 2008, la regista Lucrecia Martel fu chiamata per adattare nuovamente la storia al cinema, ma i produttori decisero di non portare avanti il progetto. Nel febbraio 2020, è stato riferito che Netflix aveva acquisito i diritti del fumetto El Eternauta di Héctor Oesterheld e Francisco Solano López per adattarlo in formato serie. D'altra parte, è stato annunciato che Bruno Stagnaro sarebbe stato il regista, mentre K&S Films sarebbe stata la società responsabile della produzione. Tuttavia, i piani di produzione sono stati ritardati dalla pandemia causata dal COVID-19, così come la sua uscita, prevista tra il 2021 e il 2022.

Il progetto è stato riattivato nel 2023 con l'annuncio delle riprese della serie, confermando che la prima stagione sarebbe stata composta da sei episodi scritti da Stagnaro e Ariel Staltari. Inoltre, Hugo Sigman, Matías Mosteirin, Leticia Cristi e Diego Copello sono stati confermati come produttori, mentre Martín M. Oesterheld, nipote dell'autore e sceneggiatore dell'opera originale, è stato chiamato come consulente creativo.

Episodi:

Episodio 1: " La notte dei trucchi ", sinossi: Un'insolita nevicata interrompe la serata dei trucchi di Juan e dei suoi amici. Tra incertezza e tensione, improvvisano una tuta per permettergli di sfidare la neve e cercare sua figlia.

Episodio 2 " Salgan al sol " (Scappa al sole), sinossi: Dopo aver attraversato una città devastata di Buenos Aires per raggiungere l'appartamento di Elena e Clara, Juan scopre che l'istinto umano può essere letale quanto la neve tossica.

Episodio 3 " Magnetismo ", sinossi: Alla ricerca di indizi nella scuola di Clara, Juan ed Elena incontrano Pablo, uno studente sconvolto. Tano cerca di comunicare via radio e le visioni di Juan si intensificano.

Sinossi dell'episodio 4 " Credo ": Tano e Juan si dirigono in centro, dove incontrano una barricata e forze militari. Dopo aver incontrato una minaccia ripugnante, ricevono aiuto da un gruppo molto particolare.

Sinossi dell'episodio 5 " Paesaggio ": Con l'isola come destinazione, Tano deve prendere una difficile decisione su come ottenere un mezzo di trasporto. Lungo la strada, scoprono un campo profughi all'interno di un centro commerciale.

Episodio 6 " Succo di pomodoro freddo ", sinossi: Dopo una rischiosa missione in treno per tornare in città, una misteriosa luce brillante attrae Juan e lo conduce a una scoperta inimmaginabile.

L'Eternauta (El Eternauta) è una serie televisiva argentina creata e diretta da Bruno Stagnaro, basata sull'omonimo fumetto di Héctor Germán Oesterheld e Francisco Solano López. Prodotta da Netflix e K&S Films, la serie è incentrata su un gruppo di sopravvissuti a una nevicata mortale alimentata da un'invasione aliena.

Il progetto, concepito dallo stesso Stagnaro per perpetuare la memoria di Oesterheld, scomparso nel 1978, pur nel necessario adattamento si prefigge di mantenere l'impatto emotivo originale che ha assurto il fumetto a classico del genere post apocalittico.

La serie, tra le dieci maggiormente viste sulla piattaforma streaming già qualche giorno dopo il lancio, secondo quanto annunciato da Francisco "Paco" Ramos, responsabile della programmazione latinoamericana di Netflix, è stata rinnovata per una seconda stagione di ulteriori otto episodi.

Trama

La serie racconta la storia di un'invasione aliena della Terra, che utilizza una tormenta di neve tossica per annientare la maggior parte della popolazione. La storia si svolge a Buenos Aires dove, da quando esistono dati meteorologici registrati, è nevicato solo tre volte nella storia. I pochi sopravvissuti non sono consapevoli di quale evento li abbia colpiti, se una guerra nucleare o un incidente chimico o qualcosa di ancor più misterioso. Nella città lentamente si genera una resistenza all'invasione, capeggiata da Juan Salvo (che è anche un veterano della guerra delle Malvinas) e dal suo amico di infanzia Alfredo Favalli. Ad essi si uniscono altri personaggi distinti che apportano il loro valore umano alla sopravvivenza collettiva.

Personaggi e interpreti

Principali

Juan Salvo interpretato da Ricardo Darín un uomo comune avvolto in una situazione straordinaria, determinato a scoprire il mistero della letale nevicata che ha colpito Buenos Aires. Nella nevicata scompare la figlia Clara, sulle cui tracce si lancia in una missione che appare da subito disperata.

Elena, interpretata da Carla Peterson, ex moglie di Salvo, anch'ella alla ricerca della figlia caratterizzata dalla determinazione delle donne argentine.

Omar interpretato da Ariel Staltari, cognato di Ruso Polsky, tornato in Argentina dopo vent'anni di assenza. È questo un personaggio originale creato appositamente per la serie, che Staltari stesso ha descritto come "l'occhio del pubblico, che in qualche modo mette in discussione il legame tra gli amici".

Alfredo "Tano" Favalli, interpretato da César Troncoso, il migliore amico di Juan Salvo dal carattere duro, e proprietario della casa dove i quattro amici si ritrovano a giocare a Trucco. Sarà tra i primi che si avventurano all'esterno.

Ana, interpretata da Andrea Pietra, secondo personaggio non presente nell'originale fumetto. Moglie di Favalli ha con lui un rapporto molto empatico[4], l'unica che riesce a placare l'irruenza del marito e a riportarlo alla razionalità.

Lucas Herbert, interpretato da Marcelo Subiotto, uno degli amici che giocano a carte.

Ruso Polsky, interpretato da Claudio Martínez, l'altro membro della tavola dei quattro. È lui che porta con se il cognato Omar.