Alcuni dei concerti più memorabili della storia della musica includono il concerto dei Queen allo stadio di Wembley nel 1986, il Festival di Woodstock nel 1969, il Live Aid del 1985, l'MTV Unplugged dei Nirvana nel 1993 e il The Wall dei Pink Floyd nel 1980-1981.

Di seguito vengono descritti in dettaglio alcuni di questi concerti:

Queen allo stadio di Wembley (1986):

Considerato uno dei migliori concerti della band, lo spettacolo a Wembley durante il "Magic Tour" è stato una dimostrazione del carisma e del talento di Freddie Mercury davanti a oltre 70.000 persone, secondo il prossimo singolo.

Woodstock (1969):

Un festival iconico che ha riunito più di 400.000 persone sotto il tema "paz y música", secondo Bee Division.

Aiuto dal vivo (1985):

Un evento benefico che si è svolto contemporaneamente al cabo di Londra e Filadelfia, riunendo i grandi artisti per raccogliere fondi per combattere l'hambruna in Africa, secondo Proximo Single.

MTV Unplugged dei Nirvana (1993):

Un concerto intimo e acustico che ha dimostrato la versatilità della banda, secondo Proximo Single.

Il Muro dei Pink Floyd (1980-1981):

Uno spettacolo visivamente impressionante con una parete costruita durante il concerto, che si è scatenata alla fine dello spettacolo, secondo Bee Division.

Altri concerti memorabili:

  Ovviamente non possiamo trascurare il concerto di Jimi Hendrix al Monterey Pop Festival (1967), ai Metallica a Mosca (1991) e al Blonde Ambition Tour di Madonna (1990).

Taki Ongoy (in quechua "La malattia del canto") è un album pubblicato nel 1986 dal cantautore argentino Víctor Heredia. Si tratta di un'opera concettuale che ricorda l'omonimo movimento politico e culturale indigeno (scritto anche Taki Unquy), emerso nelle Ande peruviane nel XVI secolo contro la recente invasione spagnola.

All'album hanno partecipato gli artisti Juan Carlos Baglietto, Jorge Fandermole e Mercedes Sosa.

L'opera alterna brani musicali a narrazioni che descrivono la storia dei popoli indigeni delle Americhe fin dall'epoca precolombiana, dalla prospettiva storica di popolazioni indigene oppresse in lotta per la propria identità e libertà.

Controversie e riconoscimenti

Secondo il suo autore, l'opera è stata accolta negativamente dalla Chiesa cattolica; Il vescovo di Lomas de Zamora, nella provincia di Buenos Aires, monsignor Desiderio Collino, chiese la scomunica dell'autore,[3] mentre l'ambasciatore spagnolo in Argentina avrebbe suggerito al governo di Raúl Alfonsín di vietarne l'uscita.

L'album fu ripubblicato nel 2006, in occasione del suo ventesimo anniversario, anno in cui Víctor Heredia tenne una serie di recital al Teatro Opera. Quell'anno, l'opera fu dichiarata di interesse educativo dal Ministero dell'Istruzione nazionale.

"Lo spagnolo che mi uccide / non sa che sta tagliando / la testa che domani / canterà in un canto eterno". Ogni frase di Taki Ongoy, ogni strofa di quell'opera monumentale immortalata da Víctor Heredia 20 anni fa, sembra avere una vita propria. Un'esistenza autonoma e significativa, assolutamente in grado di spiegare il tutto attraverso la parte. Si potrebbero prendere altre frasi, ma questa – tratta dalla canzone "Muerte de Túpac Amaru" – scatena con forza ciò che gli altri non fanno: futuro, divenire, speranza, trascendenza. Quel "canto eterno" sembra risolvere, simbolicamente, il grande mistero della voce fuori campo che tesse l'opera: cosa saremmo stati, se avessimo potuto essere (in tutta la nostra pienezza)? E quel "canto eterno" è quello che rinasce davanti ai bianchi – due teatri d'opera gremiti – attraverso i sei gruppi musicali di popoli indigeni che il cantautore ha convocato per presentare di nuovo l'opera dal vivo, dopo due decenni di richieste. Dopo "Ella está conmigo", la penultima canzone dell'album, eseguita come nella sua versione originale, Heredia appese la chitarra, si sedette al centro del palco e li annunciò. Uno per uno.

Prima esibizione: la colonna sonora della Nazione Mapuche, Pu Aukin Mapu. Un quintetto colorato, vestito con cumbís, llautus (lana di vigogna intrecciata e fasce per la testa) e la propria bandiera, che suonava una musica lamentosa permeata dal suono silenzioso del kultrum, che ha ricevuto l'applauso più fragoroso della serata. Seconda esibizione: un quartetto di indios Pilagá di Pozo de Tigre, Formosa, che suonava un huayno semplice e coinvolgente. Dietro di loro, il duo Huarpe, Guaytamarí; un solista di Toba soprannominato Kom, che trae reminiscenze ancestrali dal suo n'vique, un violino a corda singola fatto a mano; Jaguar, un quartetto uruguaiano, e il settetto Kolla, Pacha Runa, con un carnevale semplicemente commovente, per metà acustico e per metà elettrico. Ventitré musicisti indigeni, verso la fine, circondano Heredia e incarnano il rapporto causa-effetto della sua opera con corpo e anima. Retine rosse, cuori aperti, un momento indimenticabile. Víctor che canta "Una terra senza memoria / non ci darà mai riparo" ("Una tierra sin memoria"), e tutti loro lì, protetti, contenuti, accolti da migliaia di persone. L'eterno canto di Túpac Amaru; ciò che saremmo stati, se avessimo potuto essere, in azione. Attivati dalla musica e dal sangue sopravvissuto, "come sogni che lottano per la libertà".

La felice idea di riunire diverse espressioni culturali di sei popoli indigeni ha alleviato parte di quel malessere insistente, ossessivo, quasi impotente che ha generato, genera e genererà Taki Ongoy, per il quale la storia dei vinti si fa carne. È troppo straziante sentire di nuovo "Quale abisso aprirà le sue fauci / per inghiottire il mio dolore", quando il cantautore si riferisce alla morte di Atahualpa. È allo stesso tempo travolgente e disgustoso ricordare che fu ucciso perché gli fu dato un libro per ascoltare le parole del nuovo dio, e lo gettò a terra perché quel dio "non gli parlava" ("Encuentro en Cajamarca"). È straziante ricordare come le ossa di otto milioni di indiani marcirono nelle miniere ("Potosí") o come alle donne di Diaguita furono tagliati i seni ("Mutilaciones"). Perché Taki Ongoy è l'espressione più cruda, più bella e più pedagogica mai realizzata per denunciare uno dei genocidi più silenziati dell'universo e, come tale, genera angoscia, introspezione, mea culpa, catarsi e conoscenza. Da qui, la validità della verifica della continuità di una cultura. La sopravvivenza del rovescio della medaglia di cui Heredia parla nel prologo. La cultura che sta alla base di "dolore e malinconia", un inconscio fatto di due argille.

Babú Cerviño (pianoforte e tastiere), Panchi Quesada (chitarra), Ricky Zielinsky (basso), Gustavo López (batteria), Víctor Carrión (strumenti a fiato) e Gabino Fernández (tastiere) hanno fornito un paesaggio sonoro ideale, perfettamente in linea con l'opera. Ognuno con la propria partitura, seguendo il tono epico, preciso e chiaro di Heredia. E hanno illuminato i brani con arrangiamenti melodicamente impeccabili (in particolare "Ella está conmigo" e "Un pieza de mi sangre") o aggiunto tocchi funk alla versione già ritmata di "La puerta del Cosmos". Juan Carlos Baglietto, Mercedes Sosa o Jorge Fandermole – cantanti ospiti dell'album – non c'erano, ma un coro – Coral de Hoy – diretto da Ricardo Maresca – ha trasformato le versioni di "Canción para la muerte de Don Juan Chelemín", "Potosí" e il finale, "Una tierra sin memoria", in qualcosa di vicino all'apocalisse. "Questa volta non resisterò a fare bis che non hanno nulla a che fare con l'opera", ha detto Heredia alla fine, e ci ha regalato "Mariposas de Bagdad", "Ojos de cielo", "Sobreviviendo" e "Todavía cantamos", una breve tregua da un così sonoro schiaffo alla coscienza, intitolato a una ribellione culturale millenaria. 20 anni non sono niente in confronto ai 20.000 anni del nostro paese... Valeva la pena aspettarli.

La creazione di Ariel Ramírez, che annoverava tra i suoi interpreti più importanti Los Fronterizos, Jaime Torres, Domingo Cura e Chango Farías Gómez, tra gli altri, fu rappresentata per la prima volta nel 1967 a Düsseldorf, tre anni dopo la sua registrazione. La storia di quella première.

L'immagine solenne, in tonalità seppia, è accompagnata da una musica simile. In primo piano, di fronte alle telecamere della televisione tedesca, compaiono tutti i Los Fronterizos, tranne César Isella. Sullo sfondo, un coro femminile; e nel terzo, un gradino più in alto, un coro maschile, entrambi spagnoli. E tutti, sotto la direzione di José María González Bastida, ripetono più volte l'ode "Signore, abbi pietà di noi". Questo è il primo canto natalizio di Navidad Nuestra, la seconda parte (o lato B) dell'opera. Domingo Cura e Jaime Torres, giovanissimi, appaiono pietrificati sul lato sinistro dell'inquadratura. Iniziano a muoversi solo dopo due minuti e quarantotto secondi dall'inizio dell'inquadratura. Proprio quando il "Kyrie" vidala/baguala (il primo brano della Misa Criolla vera e propria) si collega a quel carnevale apoteotico che ha travolto il mondo con la sua forza spirituale: il "Gloria". Il creatore, Don Ariel Ramírez, brilla al pianoforte. E subito dopo, l'immagine dell'immenso soffitto della chiesa tedesca fa da sfondo perfetto a un'altra meraviglia: il "Credo" in versione chacarera troncata. Seguono un altro "Sanctus" in stile carnevalesco andino e un "Agnus Dei", uno stile pampano a cui i due cori (il Maitea e l'Easo, di San Sebastián) si adattano perfettamente. L'imponente e sincretica Misa Criolla era stata pubblicata su disco tre anni prima, nel 1964, ma non era ancora stata presentata in anteprima al pubblico.

Ci vollero tre anni prima che il miracolo si verificasse lontano dalla sua città natale: a Düsseldorf, in Germania, in un giorno come oggi, ma cinquant'anni fa: il 12 marzo 1967. Le immagini risalgono a quell'epoca e, nonostante l'enorme distanza che le separava dall'Argentina, non erano un luogo estraneo all'ispirazione di Ramírez. Tutt'altro. Fu lì che nacque la sua intenzione di creare un'opera sacra, fondamentalmente a causa di un'esperienza personale: la sua residenza in un convento a Würzburg, situato a circa 100 chilometri da Francoforte, in Germania, dove dieci anni prima aveva incontrato Regina ed Elizabeth Bruckner, suore, cuoche e suore, che raccontarono una storia al pianista argentino. Proprio di fronte a quel convento, i nazisti avevano allestito uno dei loro campi di concentramento e portavano clandestinamente cibo ai prigionieri.

"Non potevano dimenticare che quella villa (situata di fronte al convento) e le terre più lontane facevano parte di un campo di concentramento, dove erano stati rinchiusi circa mille prigionieri ebrei. Da quella distanza, mi dissero le suore, potevano immaginare l'orrore e la paura. Solo a voce bassissima giungevano loro notizie del freddo e della fame. Una regola severa puniva chiunque aiutasse o anche solo entrasse in contatto con coloro che attendevano il loro tragico destino per impiccagione, senza ulteriori indugi", scrisse una volta Ramírez. "Ma Elizabeth e Regina avevano scelto la misericordia ed erano state addestrate al coraggio, così notte dopo notte raccoglievano tutti gli avanzi di cibo che potevano e si intrufolavano nel campo per lasciare i loro aiuti in una cavità sotto la rete metallica... Quando terminai la storia delle mie amate protettrici, sentii il bisogno di scrivere un'opera, qualcosa di profondo, religioso, che onorasse la vita, che coinvolgesse le persone al di là delle loro credenze, della loro razza, del loro colore o della loro origine. Che si riferisse all'uomo, alla sua dignità, al coraggio, alla libertà, al rispetto dell'uomo in relazione a Dio, come suo Creatore".

Tale fu la forza trainante dell'opera, che trascese i confini universali quando, un decennio dopo (nel 1964), fu registrata per solista, orchestra e coro sulle note del folklore argentino. Usci l'anno seguente con un cast stellare che includeva, oltre a Ramírez alla direzione, al pianoforte e al clavicembalo, i già citati Cura (percussioni) e Torres (charango). Erano inclusi anche Los Fronterizos (questa volta con Isella), Chango Farías Gómez, Raúl Barboza e Luis Amaya, tra gli altri musicisti, oltre al coro della Basílica del Socorro e all'adattamento dei testi liturgici da parte di un trio di sacerdoti composto da Jesús Segade, Antonio Catena di Santa Fe (amico d'infanzia di Ramírez e presidente della Commissione Episcopale per il Sud America, da cui Félix Luna prese i testi per i brani) e Alejandro Mayol.    

La Misa Criolla ha venduto più di dieci milioni di copie e rimane un faro, un riferimento, un punto di inevitabile valore quando si tratta di coniugare la musica argentina con una parte della cultura ideologica universale: il rifiuto del nazismo attraverso il (buon) cristianesimo. "È impossibile per me spiegare il successo della Misa Criolla. Sono autore di circa quattrocento opere. Le ricordo tutte e le amo tutte. Alcune raggiungono la fama e nessuno sa perché. Non credo che la Misa Criolla sia la cosa migliore che abbia mai scritto. Ma in parole povere, la gente la ama. Certo, è quella che ha avuto il maggiore impatto sul pubblico", ha detto il musicista a PáginaI12 poco prima della sua morte, riferendosi all'opera che avrebbe potuto esserlo anche perché Papa Paolo VI permise che i testi liturgici fossero cantati in più lingue. E così accadde, qualche tempo dopo, al Teatro Colón con una versione scenica di Roberto Oswald e Aníbal Lápiz; all'Avery Fisher Hall del Lincoln Center di New York, o alla Cattedrale di San Patrizio, tra gli altri. È stato inoltre pubblicato in una cinquantina di paesi e interpretato da George Dalaras, Mercedes Sosa, José Carreras e Plácido Domingo, tra le altre grandi voci.

Struttura dell'opera

Il testo della Misa Criolla è un adattamento, da parte dei sacerdoti Antonio Osvaldo Catena, Alejandro Mayol e Jesús Gabriel Segade, del testo liturgico spagnolo della Messa cattolica, approvato nel 1963 dalla Commissione Episcopale per il Sud America, presieduta da Padre Antonio Osvaldo Catena, seguendo le linee guida del Concilio Vaticano II.

L'opera segue rigorosamente l'Ordinario della Messa. Ciò che la rende unica è l'uso dei ritmi musicali tradizionali argentini. La struttura è la seguente:

"Kyrie" (vidala-baguala).[2]
"Gloria" (carnavalito-yaraví).
"Credo" (chacarera tronca).
"Sanctus" (carnevale di Cochabamba).
"Agnus dei" (stile pampas).

Musicisti

L'opera fu registrata per la prima volta nel 1964 e pubblicata l'anno successivo sullo storico LP Philips 820 39.

Ariel Ramírez: pianoforte, clavicembalo e direzione generale.
Domingo Cura: percussioni.
Raúl Barboza: fisarmonica su "L'Annunciazione".
Jaime Torres: charango.
Chango Farías Gómez: accessori per grancassa e percussioni.
Luis Amaya: chitarra creola.
Juancito el Peregrino: chitarra creola.
José Medina: chitarra creola.
Alfredo Remus: contrabbasso.
Gerardo López: voce solista.
Eduardo Madeo: voce solista.
César Isella: voce solista.
Juan Carlos Moreno: voce solista.
Américo Belotto: direttore della registrazione.
Cantoría de la Basílica del Socorro: coro.
Jesús Gabriel Segade: direttore del coro.

 

La formazione napoletana che salutò l'arrivo del nuovo millennio pubblicando l'album "que vendrà"La vida

La prima vita dei 99 Posse durò dal 1991 fino al 2001. Poi lo stop, e la reunion nel 2009. Il gruppo napoletano è tutt'ora in attività e lo scorso aprile ha pubblicato il singolo "Comanda la gang". Ma facciamo un passo indietro, fino al maggio del 2000 quando esce l'album "La vida que vendrà", l'ultimo pubblicato prima che i membri della formazione napoletana si stringessero la mano e prendessero strade diverse. Per celebrare il compleanno del frontman dei 99 Posse, Luca Persico in arte 'O Zulu che nella giornata di oggi compie 51 anni, ripubblichiamo la recensione del disco di Laura Centemeri che uscì sulle nostre pagine.

Sono molto avanti i 99 Posse, rispetto alla media di quello che si produce musicalmente in Italia. Lo dimostrano con questo album dal sound decisamente all'avanguardia nell'elettronica, abbinato a testi che sono ora fotografie senza censure di storture sociali, ora analisi sociologiche degne di un manuale. Una combinazione - quella tra un suono che pesca dal meglio dell' avanguardia internazionale, e testi che dipingono la realtà di un paese pieno di contraddizioni, come l'Italia - che è una vera boccata di aria fresca, in un panorama musicale che tende sempre più al ripiegamento su temi minimalisti, all'autoreferenzialità, all'individualismo e alla smussatura, anche musicale, degli spigoli e delle occasioni di conflitto.

Lo scontro non spaventa i 99 Posse: è la loro quotidianità di musicisti per cui la musica è il supporto di un messaggio di critica al sistema. Ma, badate bene, nonostante la musica sia un mezzo, non è mai sacrificata né messa in secondo piano. E' un tutt'uno con il suo messaggio, e, a sua volta, propone un recupero di ispirazioni che vengono dal passato mescolate con la modernità più spinta, a testimonianza che è possibile essere parte integrante del mondo di oggi senza perdere di vista quei valori di libertà, uguaglianza, fraternità, oggi messi a rischio da uno sviluppo che - lo dice anche il Papa, non solo i vetero-comunisti - mette a rischio la dignità dell' individuo.

Il discorso che i 99 Posse sviluppano in questi 74 minuti di musica vuole parlare a un pubblico ampio, a chiunque, in fondo, si trovi oggi a disagio in una società governata sempre più dalle regole dei sondaggi e del marketing.

Un mondo che ha perso la memoria di parole che per i 99 Posse, invece, non sono mai state così attuali. Si parte con il trascinante prologo di "Comincia adesso" ("Comincia adesso a gridare tutta la rabbia che c'hai nel corpo no, non la trattenere, comincia adesso a ricordare, ancora non è troppo tardi per incominciare il futuro"); per poi trovarsi immersi, inaspettatamente, nelle atmosfere dub di "Sfumature" che mettono in evidenza la bravura di Meg, che trasforma la sua voce in una carezza jazz. Un brano, questo, che si fa riflessivo nel testo recitato dalla voce di Zulu: "C'è il bianco, il nero e mille sfumature di colori in mezzo, e lì in mezzo siamo noi coi nostri mondi in testa tutti ostili e pericolosamente confinanti, siamo noi un po' paladini della giustizia un po' pure briganti, siamo noi spaccati e disuguali, siamo noi frammenti di colore, sfumature dentro a un quadro da finire".

Il singolo "L'anguilla" ci riporta invece ad atmosfere più tese, con le parole che si susseguono col ritmo di una mitragliata: un brano che è il manifesto di una filosofia di vita da irriducibili ("Non mi avrete mai come volete voi"). "All'antimafia", con un inizio "sceneggiato", si prende gioco a ritmo reggae dei poliziotti che trattano come criminali chi al massimo si fa una canna. Decisamente rock le sonorità di "Esplosione imminente", triste quadro della guerra tra poveri ormai in atto e testimoniata dalle richieste sempre più pressanti di "tolleranza zero".

Tra i pezzi forti dell'album, "Yankee go home" dove l'elettronica è messa al servizio di un brano chiuso da un'imperdibile campionatura della voce di Cossiga che rivendica gli accordi nucleari da lui stretti con gli Usa senza passare dal Parlamento.

Ci sono poi lo scanzonato rap di "Comuntwist", ovvero: cosa vuol dire essere oggi comunisti, e la ballata "Povera vita mia", preceduta da un canto popolare del Cilento (poi ripreso nel brano da Meg), sul lavoro che oggi non solo non è più un diritto ma fa tanti morti quanti una guerra, complice una legislatura tappabuchi (vedi il lavoro interinale) che alimenta lo sfruttamento: "Il lavoro interinale non è altro che una prestazione occasionale di lavoro manuale non qualificato, esattamente il caso in cui il rischio d'incidente sul lavoro è quintuplicato, e tutto questo non è capitato, ma è stato pensato, progettato e realizzato dal padronato, in combutta con l'apparato decisionale dello stato, per il quale la vita di un proletario non vale - non dico niente. ma sicuramente non vale il costo di un' assunzione regolare. con tanto di corso di formazione professionale".

Padronato, proletario: sono alcune delle parole che, come il termine disoccupato, si ha la tendenza oggi a evitare nei discorsi pubblici. Ma i 99 Posse non hanno paura di essere fuori moda e per questo chiudono il disco con una cover niente meno che degli Inti Illimani, anzi, con il loro inno, l 'inno di generazioni di comunisti, "El pueblo unido", riletto in chiave hip-hop, con l'augurio che "serà mejor la vida que vendrà".

fonte: https://www.rockol.it/news-726200/99-posse-compleanno-zulu-recensione-la-vida-que-vendra-video

 

 

Fondatore dei Genesis e protagonista di una carriera grande solista, Peter Gabriel è stato un innovatore, sperimentando nuovi linguaggi musicali. Centinaia di milioni di dischi venduti, sei Grammy Award con 14 nomination, cantante e polistrumentista, Gabriel è stato protagonista di un'integrazione tra rock, elettronica e musica tradizionale che lo ha portato a realizzare album che hanno lasciato un segno anche nelle successive generazioni. Nato a Chobham, poco distante da Londra, figlio di un ingegnere elettrotecnico, iniziò da adolescente la sua avventura nel mondo della musica formando nel 1966 insieme a due compagni di scuola, Tony Banks e Chris Stewart, la band Garden Wall. Il resto, come si dice, è storia

Oggi parleremos del suo album OVO

Peter Gabriel, a prima vista, non sembra proprio una rockstar. Ed in fin dei conti al mondo patinato del rock&roll non appartiene più da tantissimi anni, da quando cioè, abbandonati i suoi compagni di strada, i Genesis, diede inizio ad una brillante e fortunata carriera, come solista, cantante e autore, creando un suo personalissimo mondo di suoni. Un mondo di suoni costruito all' incrocio tra naturalismo ed elettronica, tra passato e futuro, tra comunicazione telematica e tam tam elementare. Un modo di suonare che lo ha posto all' avanguardia negli anni ottanta e novanta, in quel territorio di crossover tra culture e sistemi di comunicazione diversi, che ha cambiato radicalmente lo scenario musicale in tutto il mondo. Non solo suoni, però, ma anche parole, idee e sentimenti che lo hanno spinto ad esprimersi in maniera dura anche in politica, contro la Thatcher, a favore di Amnesty International, ma soprattutto contro l'apartheid sudafricano (Gabriel è stato uno dei primi a dedicare a Steve Biko un'intensa e bellissima canzone), e che hanno portato il musicista inglese in prima fila in molte battaglie.

OVO la storia di una famiglia che attraverso tre generazioni descrive la parabola dell’umanità.

Nel 2000 viene allestito uno spettacolo all’interno del Millennium Dome di Londra, basato sulle musiche e su un concept di Gabriel: la storia di una famiglia che attraverso tre generazioni descrive la parabola dell’umanità. Il risultato si chiama Ovo ed è un vero mappamondo musicale così pieno di spunti da fare girare la testa: rap, industrial, celtica, prog, ambient, folk, soul… Con tanti ospiti e le bellissime voci di Elizabeth Fraser e Alison Goldfrapp.

OVO è il tredicesimo album della carriera solista del musicista inglese Peter Gabriel, colonna sonora dell'omonimo spettacolo allestito all'interno del Millennium Dome di Londra nel 2000. È stato pubblicato il 29 agosto 2000.

L'album ospita vari cantanti tra cui Paul Buchanan dei Blue Nile, Neneh Cherry, Rasco, Richie Havens ed Elizabeth Fraser. Si tratta di un concept album incentrato su tre generazioni di una famiglia, che rappresentano metaforicamente la storia dell'umanità.[1]

Ne sono state pubblicate due versioni diverse: una «regolare» destinata al mercato statunitense e una «limitata» per l'Europa; quest'ultima edizione contiene un fumetto con la storia di OVO, un bonus CD con tracce aggiuntive e video tratti dallo spettacolo londinese.

Tracklist edizione limitata

"Low Light" – 6:37
"Time of the Turning" – 5:06
"Man Who Loved the Earth / The Hand That Sold Shadows" – 4:15
"Time of the Turning (Reprise)/The Weavers Reel" (Peter Gabriel / Richard Evans) – 5:37
"Father, Son" – 4:55
"Tower That Ate People" – 4:49
"Revenge" – 1:31
"White Ashes" – 2:34
"Downside-Up" – 6:04
"The Nest That Sailed the Sky" – 5:05
"Tree That Went Up" – 2:14
"Make Tomorrow" – 10:01
Tracklist bonus cd

"The Story of OVO" – 5:21

Tracklist edizione regolare

"The Story of OVO" – 5:21
"Low Light" – 6:37
"The Time of the Turning" – 5:06
"The Man Who Loved the Earth / The Hand That Sold Shadows" – 4:15
"The Time of the Turning (Reprise)/The Weaver's Reel" (Peter Gabriel / Richard Evans) – 5:37
"Father, Son" – 4:55
"The Tower That Ate People" – 4:49
"Revenge" – 1:31
"White Ashes" – 2:34
"Downside-Up" – 6:04
"The Nest That Sailed the Sky" – 5:05
"Make Tomorrow" – 10:01

Musicisti

Peter Gabriel - Voce, tastiere, percussioni, programmazione, trattamenti, produzione, arrangiamenti orchestrali
Brian Transeau
Paul Buchanan - Voce
Richard Evans - Tecnico del suono, programmazione, missaggio (1-6, 10-12), sintetizzatori (1), basso synth (2), trattamenti (3, 11), chitarra in loop (3), mandolino (3,5,12), flauto (3,5), dulcimer (3), crotali (4), battito di mani (4), basso (5), programmazione batteria (5), shaker (5), chitarra elettrica a 12 corde (10,12), chitarra acustica a 12 corde (10), chitarra elettrica (12)
Richard Chappell - Tecnico del suono, programmazione, missaggio (1-3, 7-9), trattamenti (1,4,7,9), programmazione batteria (1,3,4,7-9), loop (7), tom (7)
Manu Katché - Batteria, percussioni
Tony Levin - Basso, Chapman Stick
Hossam Ramzy
David Rhodes - Chitarra
L. Shankar - Violino
Assane Thiam
Jim Barr
Jim Couza
Sussan Deyhim
Markus Dravs
Nigel Eaton
Simon Emmerson
Kudsi Erguner
Elizabeth Fraser - Voce
Steve Gadd - Batteria
Stuart Gordon
Will Gregory
Johnny Kalsi
Ged Lynch - Percussioni
James McNally
Jocelyn Pook
Jacquie Turner
Richard Chappell
Alan Coleman
Edel Griffith
Adzido Pan African Dance Ensemble
Electra Strings

Taki Ongoy II (in quechua: “La enfermedad del canto”) è un album pubblicato nel 1986 dal cantautore argentino Víctor Heredia. Si tratta di un'opera concettuale che ricorda l'omonimo movimento politico e culturale indigeno (scritto anche Taki Unquy), sorto sulle Ande peruviane nel corso del XVI secolo contro la recente invasione spagnola.

Victor Heredia, 38 anni dopo, sta ancora realizzando il suo “Taki Ongoy”, quel disco che contribuì a risvegliare le coscienze e che divenne un simbolo dell'America Latina e una delle opere concettuali più importanti della musica argentina.

Questo disco (anche dal vivo con l'Orquesta Juvenil Sinfónica), stava ricreando un disco attraverso il quale migliaia di persone hanno appreso la “storia dei vinti” attraverso questo lavoro.

Del vaiolo e delle febbri portate dagli spagnoli; dei 56 milioni di indigeni massacrati; dell'ingresso sanguinario di Pizarro a Cuzco nel 1531 o del tradimento di quest'ultimo e del sacerdote Valverde, che si concluse con lo smembramento di Atahualpa; della ribellione di Tupac Amaru terminata con la testa sulla picca; della rivolta della Diaguita del 1630 sotto il comando del coraggioso Juan Chalimin per vendicare e nobilitare il suo sangue o degli otto milioni di morti nelle miniere di Potosi, della rivolta delle Valli Calchaquies, una guerra durata 130 anni; 13 anni di terrore e il resto di continue rivolte di persone che cercavano di difendere territori soggiogati da un'altra cultura.

E, soprattutto, che la Patria ha 20mila anni. Indubbiamente, l’opera ha raggiunto il suo obiettivo di opera stimolante che risveglia le coscienze.

L'opera originale.

All'album originale hanno partecipato gli artisti Juan Carlos Baglietto, Jorge Fandermole e Mercedes Sosa.

L'album è stato ripubblicato nel 2006, in occasione del suo ventesimo anniversario, anno in cui Víctor Heredia ha offerto una serie di concerti al Teatro dell'Opera. Quell'anno l'opera fu dichiarata di Interesse Educativo dal Ministero Nazionale della Pubblica Istruzione.

In questa nuova riedizione, Babú Cerviño (pianoforte e tastiere), Panchi Quesada (chitarra), Ricky Zielinsky (basso), Gustavo López (batteria), Víctor Carrión (aerofoni) e Gabino Fernández (tastiere) hanno costituito una piattaforma sonora ideale, decisamente all'altezza del lavoro. Ognuno con la sua partitura, seguendo il tono epico, preciso e chiaro di Heredia. E illuminando brani con arrangiamenti melodicamente impeccabili (“Ella está conmigo” e “Un pedazo de mi sangre” in particolare) o aggiungendo tocchi funk alla versione già ritmata di “La puerta del Cosmos”.

Struttura dell'opera

Di seguito la descrizione dei brani che compongono l'album:

Prima parte Seconda parte Terza parte Quarta parte Quinta parte Sesta parte Settima parte

Testo n. 1

Discorsi dei saggi e degli anziani (Nahuaxl - Nuahatlacolli)

Ventimila anni Patria

Taki Ongoy

La porta del cosmo

Testo nº2

Incontro a Cajamarca

Morte di Atahualpa

Testo nº3

Anno 1530 - Peste

Aya Marcay Quilla

Taki Ongoy n.º2

Morte di Tupac Amaru

Testo nº4 (La grande rivolta della Diaguita - 1630/1643)

Don Juan Chalimín

Mutilazioni

La testa di Pedro Chumay

Un pezzo del mio sangue

Testo nº5

Canzone per la morte di Juan Chalimín

Testo nº6

Potosi

Testo nº7

Un dolce vasaio

Lei è con me

Una terra senza memoria

LA MIA OPINIONE

La felice idea di evocare le diverse espressioni culturali di sei popoli nativi alleviava una parte di quel disagio insistente, ossessivo, quasi impotente che Taki Ongoy ha generato, genera e genererà per coloro nei quali la storia dei vinti si fa carne.

È troppo straziante riascoltare “Qué abismo abrirá sus fauces / para tragargar mi dolor”, quando il cantautore fa riferimento alla morte di Atahualpa. Travolge quanto si ribella nel ricordare che lo uccisero perché gli diedero un libro per ascoltare la parola del nuovo dio, e lui lo gettò a terra perché quel dio «non voleva parlargli» (“ Incontro a Cajamarca”). Trafigge l’anima ricordare che le ossa di otto milioni di indios marcirono nelle miniere (“Potosí”) o che ci furono donne Diaguita a cui furono tagliati i seni (“Mutilaciones”).

Perché Taki Ongoy è l'espressione più cruda, bella e pedagogica mai realizzata per denunciare uno dei genocidi più messi a tacere dell'universo e, come tale, genera angoscia, introspezione, mea culpa, catarsi, conoscenza. Da qui la validità di constatare la continuità di una cultura. La sopravvivenza del rovescio della medaglia di cui Heredia parla nel prologo. La cultura che sottende “doloroso e malinconico” in un inconscio fatto di due fanghi.

I Modena City Ramblers (MCR) sono un gruppo musicale italiano creatosi nel 1991. Autodefiniscono il loro genere musicale come combat folk, dichiarando sin dall’inizio un amore incondizionato per il folk irlandese.

Utilizzano brani strumentali della tradizione popolare come basi per loro brani, come riff o come assolo.

Sin dai tempi in cui suonavano solo musica irlandese, i Modena City Ramblers, come già i Pogues (ai quali si sono largamente ispirati), utilizzano brani strumentali della tradizione popolare (irlandese, scozzese, celtica e poi anche klezmer, balcanica, italiana) come basi per loro brani, come riff o come assolo. Talvolta l'origine di questi brani è sconosciuta.

La formazione.
« Abbiamo cominciato per hobby, per divertimento puro e semplice. Avevamo un'impronta punk, andavamo a suonare senza neanche provare, a volte eravamo in 6, a volte in 7, anche in 11. »
(Franco D'Aniello)

I Modena City Ramblers nascono nel 1991 da un gruppo di amici intenzionati a suonare musica irlandese, senza alcuna pretesa. Ne fanno parte "Albertone" Morselli, Giovanni Rubbiani e "Albertino" Cottica già dei Lontano da dove, Franco D'Aniello e Luciano Gaetani dell'Abbazia dei Folli. Nel febbraio del 1991, in occasione di un concerto al Wienna di Modena, viene deciso il nome Modena City Ramblers, in quanto "sapevamo che in Irlanda ogni città ha i suoi City Ramblers e ci sembrava carino che anche Modena non fosse da meno". Il nome è anche un omaggio ai Dublin City Ramblers, un gruppo di "liscio irlandese", senza dimenticare le radici emiliane.

Nel 1992 arriva il bassista Massimo Ghiacci dai Plutonium 99. La sera del 1º marzo viene effettuata la prima registrazione del gruppo nel disco On the First Day of March...Live Demo. Durante un concerto al Kalinka, un locale di Carpi, sale sul palco per la prima volta Stefano "Cisco" Bellotti, a cantare The Wild Rover. In questo periodo i Modena City Ramblers non sono un ensemble convenzionale ma una compagnia aperta, elemento che rimarrà in qualche modo in tutta la storia dei Ramblers, tanto che tutti i membri che hanno poi abbandonato la "formazione effettiva", eccetto Alberto Morselli, continuano a collaborare con il gruppo. L'evento che concluse quell'anno cruciale per il gruppo fu il concerto di spalla ai Pogues a Modena. Terry Woods, il bouzoukista del gruppo irlandese, assisté al concerto, salutando i Ramblers da lontano. Nell'autunno dello stesso anno,

Giovanni comincia a introdurre nel repertorio dei pezzi popolari in italiano, quali Bella ciao, Fischia il vento e Contessa.

Combat Folk e Riportando tutto a casa.
Tra febbraio e marzo del 1993, i Ramblers vantavano un repertorio misto, composto da brani strumentali irlandesi e brani tradizionali italiani. Decisero così che era giunto il momento di incidere il loro primo album in studio. Come studio di registrazione scelsero l'Esagono di Rubiera, in cui lavorava Kaba, che sarebbe diventato poi un membro stabile del gruppo. Combat Folk venne venduto ai concerti, la prima volta al "Fuori Orario" di Taneto di Gattatico (RE), e contiene inoltre i primi due brani inediti dei Modena City Ramblers.

I Modena City Ramblers da gruppo che si "disinteressava delle professionalità" erano diventati un progetto musicale, passaggio che richiedeva una scrematura del gruppo per delineare con più ordine una formazione troppo caotica: "Albertone" Morselli e Cisco alla voce, Giovanni Rubbiani alla chitarra, "Albertino" Cottica alla fisarmonica, "Franchino" D'Aniello ai fiati, Luciano Gaetani al banjo, bouzouki, mandolino, Massimo "Ice" Ghiacci al basso, Marco Michelini al violino e Vania Buzzini al bodhran e ai cori.

Nel 1994 pubblicano per l'etichetta indipendente Helter Skelter di Roma Riportando tutto a casa. Al disco partecipano inoltre come ospiti gli ex Chris Dennis, Filippo Chieli e Vania Buzzini. Compare l'utilizzo del dialetto in alcune canzoni, in toto (Tant par tachér, Delinquent ed mòdna)o in parte (I funerali di Berlinguer e The great song of indifference, cover di Bob Geldof) anche sull'onda dei torinesi Mau Mau; stilisticamente, non più solo Pogues e Waterboys ma anche Les Negresses Vertes e Mano Negra. Molto importante l'apporto dato da Albertino e Giovanni nella scrittura dei brani.
Il disco è un vero e proprio manifesto della cultura musicale del gruppo, che spazia dall'Irlanda magica di In un giorno di pioggia alle terribili esperienze di casa nostra di Quarant'anni, senza dimenticare la spensieratezza dei testi disimpegnati come The great song of indifference, la dolcezza di Ninnananna e ovviamente il ricordo della Resistenza con la loro prima versione di Bella ciao. Il disco viene prodotto dalla Mescal e poi ripubblicato dalla Blackout/Polygram con l'aggiunta del brano Il bicchiere dell'addio in cui appare Bob Geldof. Il disco verrà distribuito gratuitamente come singolo ai concerti a chi avesse la versione precedente dell'album. Nella versione della Mescal fa inoltre il suo ingresso il primo batterista dei MCR, Roberto Zeno.

Tra il 1994 e il 1995 i MCR collaborano nell'incisione di alcuni album: I disertori, tributo ad Ivano Fossati con Gli amanti d'Irlanda; Tributo ad Augusto con L'atomica cinese; Materiale resistente con Bella ciao, compilation prodotta da Giovanni Lindo Ferretti dei C.S.I. insieme a gruppi del calibro di Africa Unite, Mau Mau, Gang e Skiantos, per il 50º anniversario della Liberazione.

Durante l'estate del 1995 i Ramblers collaborano con il circo di Paolo Rossi e il progetto francese Caravane Banlieue. Partecipano ad alcune serate sul palco miscelando il folk con la satira.
Alla fine dell'estate Albertone lascia il gruppo per disaccordi politici e musicali con il resto del gruppo. Cisco rimane l'unica voce.

Il successo.
Ottobre 1998, Cisco Bellotti al Sisten Irish Pub di Novellara durante la registrazione di Raccolti.
Nel 1996 viene alla luce il secondo disco La grande famiglia con interventi di Paolo Rossi, Mara Redeghieri degli Ustmamò, Marino e Sandro Severini dei Gang. All'inizio del tour abbandonano il gruppo Gaetani e Michelini, che non accettano di lasciare i loro lavori (rispettivamente psicologo e impiegato in banca), sostituiti da Massimo Giuntini e Francesco Moneti, entrambi degli aretini Casa del Vento. Prendono parte al Concerto del Primo Maggio a Roma e fanno una decina di date con Paolo Rossi.

Nel 1997 incidono Terra e libertà, che risente fortemente dei viaggi compiuti da Cisco in Patagonia e da Alberto e Giovanni in Messico e a Cuba. L'album è chiaramente ispirato all'opera di Gabriel García Márquez. I MCR lavorano per sei mesi in sala prove. Al concetto del disco hanno contribuito anche gli incontri con Luis Sepúlveda, Paco Taibo o Daniel Chavarria, conosciuti nel 1997 grazie ai festival di letteratura, mentre sul piano musicale il modello sono i Mano Negra. La tournée si svolge nei palazzetti e culmina a dicembre, quando suonano a Cuba davanti a 100.000 persone.

Leggi anche: Paulem, la grande tradizione dell’Appennino emiliano romagnolo si rinnova.

Nel 1998 il gruppo ha bisogno di recuperare una dimensione più "intima" del live e porta il tour nei club. A ottobre al Sisten Irish Pub di Novellara viene registrato Raccolti, album acustico con quindici classici, due inediti (Notturno Camden Lock, A gh'è chi g'a') e una cover (La fiola dal paisan, brano de La Piva dal Carnèr, gruppo di musica popolare emiliana). Seguono nel 1999 un breve tour nei teatri, senza Giuntini ma con ospite Luciano Gaetani: dieci brani dai concerti di Rimini e La Spezia, tra cui lo strumentale Richard Dwyer's Set e L'atomica cinese, finiscono ne Il resto raccolto, CD a tiratura limitata solo per il fan club.

I Ramblers compiono un viaggio in Irlanda per lavorare al quarto album e poi all'Esagono dove incidono Fuori campo. Lo stile Ramblers non è più solo combat folk, ma, come suggeriscono loro stessi nel titolo di una canzone di quest'album, è patchanka celtica: non rinnegano le radici irlandesi, ma vi aggiungono quel meticciato musicale denominato patchanka dai Mano Negra. Il giorno dell'uscita dell'album Giovanni Rubbiani annuncia l'abbandono del gruppo. L'ultimo concerto con Giovanni come membro della società Modena City Ramblers è quello del capodanno del 2000 in Piazza Grande a Modena, insieme a Goran Bregović. Giovanni Rubbiani andrà a fondare i Caravane de Ville.

Nel novembre 1999 viene pubblicato Combat Folk - L'Italia ai tempi dei Modena City Ramblers, un libro firmato da Paolo Ferrari e Paolo Verri in cui il gruppo racconta la propria esperienza.
I MCR incidono Madre Terra per A come Ambiente, una compilation del quotidiano La Stampa.

Radio Rebelde e Gocce.
Nel maggio 2000 anche Albertino abbandona i Modena City Ramblers per dedicarsi al progetto, già attivo da tempo, dei Fiamma Fumana. Nel tour estivo ritornano Luciano Gaetani e Massimo Giuntini e fa il suo ingresso come membro effettivo il secondo batterista-percussioni Kaba, dopo 5 album all'attivo come produttore. In autunno il viaggio in Sudafrica, per una collaborazione con la band etno-folk-fusion Landscape Prayers (Lontano e Un mondo che balla). Massimo Ghiacci e Franco D'Aniello producono Pazienza santa dei Paulem di cui fa parte anche l'ex rambler Luciano Gaetani.
Nel febbraio 2001 Cisco incide con gli amici Casa del Vento il disco 900.

Nella primavera del 2001 nasce il progetto Gang City Ramblers, che congiunge due generazioni di combat-folk-rockers: i Modena City Ramblers con i Gang dei fratelli Severini. Suonano sullo stesso palco interpretando brani delle due formazioni. Il 25 aprile dello stesso anno i due gruppi si esibiscono in un indimenticabile concerto a Macerata in una Piazza Mazzini stracolma di oltre 6.000 persone arrivate da tutti gli angoli della regione.

I MCR si chiudono poi in studio a Napoli per l'incisione dell'album Radio Rebelde, con il supporto di Enzo Soulfingers Rizzo. È il primo album non prodotto da Kaba. Verrà pubblicato nel febbraio 2002. Il disco risente dei fatti del G8 di Genova e dell'11 settembre. Dopo il ritiro di Massimo Giuntini, si aggiunge Luca "Gabibbo" Giacometti, ex Mocogno Rovers e membro dei Cormac. Durante il tour invernale è ospite anche Giovanni Rubbiani.

Nel gennaio 2003 suonano in Chiapas e Guatemala. Entra nel gruppo il fisarmonicista Daniele Contardo, già Abesibè e Tupamaros.

Nel 2004 pubblicano l'EP Gocce, legato al progetto della Coop Acqua per la pace, che contiene l'inedito Al Fiòmm presente anche nel successivo album. Sotto la guida di Max Casacci dei Subsonica, i Ramblers incidono ¡Viva la vida, muera la muerte!.

Sempre nel 2004 viene pubblicato Clan Banlieue, un DVD pubblicato dalla Universal Music e che raccoglie dodici anni di canzoni, concerti, incontri, viaggi e amicizie della band musicale Modena City Ramblers.

Nel 2005, come ideale continuazione di Materiale resistente, i MCR chiamano a raccolta gli amici e registrano un album di canti sulla Resistenza: Appunti partigiani. Rileggono brani propri, tradizionali e di altri gruppi in chiave Ramblers. L'album esce in aprile, nel 60º anniversario della Liberazione.
La canzone Ebano, contenuta nell'album ¡Viva la vida, muera la muerte! vince il premio Amnesty – Voci per la libertà, assegnato da Amnesty International.

L'abbandono di Cisco e il caso Contessa.

Dopo 14 anni Stefano "Cisco" Bellotti lascia il gruppo per intraprendere la carriera solista. La band decide di non fare provini ma chiama a dividere l'eredità di Cisco due amici: il sassolese Davide "Dudu" Morandi, ex Mocogno Rovers, già presente nei cori di Riportando tutto a casa e nella foto di copertina di La grande famiglia, in quanto aveva già cantato dal vivo con i Ramblers agli esordi, e la correggese Betty Vezzani, che ha cantato con i Cormac e nel progetto folk Beyond the wire con Luca Giacometti, oltre allo spettacolo Le Ceneri di Gramsci di Pier Paolo Pasolini e musicato da Giovanna Marini. Per testare la nuova formazione i MCR fanno una breve tournée nei club che vede il battesimo al Fuori Orario di Taneto di Gattatico (RE) il 3 marzo 2006.

Durante il tradizionale Concerto del Primo Maggio a Roma, il gruppo si esibisce cantando la tradizionale canzone di protesta del movimento operaio Contessa (nel loro repertorio sin dal demo tape Combat Folk, ma da tempo abbandonata dal vivo perché ritenuta ambigua) cambiando le parole di alcune strofe, attenuandone i caratteri più duri del linguaggio che la caratterizza. Dopo il concerto è nata una polemica sulla modifica del testo, soprattutto dopo l'intervento dell'autore della canzone Paolo Pietrangeli che in un articolo su Liberazione prendeva le distanze dall'iniziativa dichiarando di aver negato sin dall'inizio il consenso ai Modena City Ramblers per qualsiasi modifica al testo. Dopo questo episodio il gruppo ha temporaneamente escluso Contessa dal suo repertorio live, introducendo nel disco successivo Mia dolce rivoluzionaria, una canzone che rimarca ancora più apertamente la distanza dai contenuti politici espressi nel testo della canzone di Pietrangeli. Dopo alcuni anni la canzone di Paolo Pietrangeli è stata nuovamente inserita nella scaletta di alcuni live.

Il 3 novembre 2006 esce l'album Dopo il lungo inverno sotto la produzione Peter Walsh, già collaboratore di Peter Gabriel e Simple Minds, che vede ospiti Terry Woods (componente dei The Pogues, già membro degli Sweeney's Men e Steeleye Span), la brass band macedone Original Kocani Orkestar, Massimiliano Fabianelli, fisarmonicista con i Ramblers in tour l'anno precedente, il quartetto d'archi reggiano Koiné di cui fa parte Filippo Chieli, la cantante Lucia Tarì e l'armonicista Enzo Ciliberti.

Nel marzo 2007 viene pubblicato Tre colori, il nuovo album del cantautore rock Graziano Romani, che vede i Ramblers ospiti, sia come singoli che nella formazione completa, nei brani Corre buon sangue, Stesso viaggio stessa città, Spiriti liberi.

L'addio a Gabibbo e Bella Ciao.

Luca "Gabibbo" Giacometti (44 anni) mentre suona un bouzouki durante un concerto. Il 6 ottobre 2007 il musicista morì schiantandosi per cause sconosciute contro il guard-rail sull'Autostrada del Sole.
 
Il 6 ottobre 2007 muore in un incidente stradale Luca "Gabibbo" Giacometti. Il 13 ottobre 2007 a Castelnuovo Rangone (MO), per commemorarne la scomparsa, Davide Morandi, Franco D'Aniello e Massimo Ghiacci partecipano come ospiti ad un concerto dell'ex cantante Stefano "Cisco" Bellotti.

Il 25 gennaio 2008 esce in Italia distribuito da Mescal e in Olanda, Svizzera, Francia, Lussemburgo, Austria e Germania distribuito da Universal, il primo disco dei MCR destinato al mercato straniero, prodotto da Terry Woods e dal titolo Bella ciao - Italian Combat Folk for the Masses (il titolo provvisorio era Tunes from the Bunker). Contiene brani dei MCR riarrangiati, reincisi, tra cui Bella ciao e in alcuni casi tradotti in inglese e spagnolo, più un inedito: il tradizionale americano di evidente origine irlandese Roisin the Bow. Partecipa ancora come ospite Massimiliano Fabianelli. Franco D'Aniello suona per la prima volta il sassofono. Il disco è dedicato a Luca Giacometti che aveva partecipato alle registrazioni. In primavera i MCR intraprendono un tour che li porta in numerose capitali europee. Durante questo tour, si aggiunge alla formazione il tastierista Leonardo "Leo" Sgavetti.

Onda Libera.
Il 10 aprile 2009 esce il disco Onda libera, il cui tema dominante è il concetto di libertà. L'album affronta molteplici temi, tra cui la lotta alla mafia[32], la solidarietà ai popoli emarginati e discriminati, la libertà di protesta studentesca e il tema delle morti sul lavoro. Il titolo nasce dalla volontà dei Ramblers di riferirsi sia a l'Onda, il movimento studentesco nato nell'autunno 2008, sia a Libera, l'associazione contro le mafie fondata da don Luigi Ciotti. Quest'ultimo collabora in prima persona alla realizzazione del disco firmandone anche l'introduzione con le seguenti parole:
« C'è un legame antico tra musica e desiderio di libertà. Perché la musica è espressione profonda dell'umano e non c'è nulla di più umano che la nostra aspirazione ad essere liberi. Queste canzoni esprimono in modo trascinante la forza di questo legame. Sono canzoni che fondono musica e coscienza politica, arte e sete di giustizia »
 
Durante il Tour 2009 i Ramblers organizzano in collaborazione con l'associazione Libera la Carovana della legalità contro le mafie, un tour itinerante svoltosi tra il 25 aprile ed il 9 maggio in luoghi confiscati alla mafia di molte regioni della penisola.

Il 1º maggio 2009, a Coppito, partecipano a Concerto per L'Abruzzo: una manifestazione di solidarietà nei confronti delle persone colpite dal terremoto.

L'11 giugno 2009 partecipano, insieme a Casa del Vento e Skiantos, allo spettacolo in Piazza VIII Agosto a Bologna in ricordo di Enrico Berlinguer, a 25 anni dalla sua scomparsa.

L'abbandono di Kaba e Betty e il Riportando tutto a casa - Tour 2009

Il 13 ottobre 2009 i Modena City Ramblers annunciano sul proprio sito ufficiale che Arcangelo "Kaba" Cavazzuti ed Elisabetta "Betty" Vezzani lasciano i Modena City Ramblers. I motivi di questa decisione, presa di comune accordo ma non per questo meno dolorosa, sono dovuti a scelte di vita strettamente personali. Kaba lascia i Ramblers dopo una collaborazione che durava da più di 15 anni, prima come produttore e poi come strumentista; mentre Betty era entrata nel gruppo solo nel 2006. Nel 2009 Betty collaborò con i Legittimo Brigantaggio nell'album Il cielo degli esclusi (Cinico Disincanto).

I Ramblers annunciano contemporaneamente il varo di un tour celebrativo per i 15 anni trascorsi dall'uscita del primo disco Riportando tutto a casa, che porterà la band in giro per i "piccoli-grandi" club della penisola nell'autunno-inverno 2009, proponendo una scaletta impostata sulle canzoni del disco uscito nel 1994. Per l'occasione entrano a far parte del gruppo: il "vecchio" compagno di viaggio Luciano Gaetani, polistrumentista nonché cofondatore della band emiliana e alla chitarra acustica Luca Serio Bertolini, cantautore e già tecnico di palco. Ricompare nelle scalette, contestualizzata con l'anniversario del disco, Contessa.

Il 26 settembre 2009 viene pubblicata la Modena City Ramblers - The Universal Music Collection, una raccolta limited edition dei primi sei album registrati in studio dai Ramblers.

Sul tetto del mondo, Battaglione Alleato e il tour estivo 2012

I Modena City Ramblers annunciano l'uscita del loro dodicesimo album per il 15 marzo 2011 a vent'anni dalla formazione del gruppo, intitolato Sul tetto del mondo, contenente tredici tracce, composte e prodotte dai Ramblers stessi.

Il 23 luglio 2011 i Modena City Ramblers partecipano al concerto in memoria di Carlo Giuliani a Genova, in Piazza Caricamento, al decimo anniversario della sua morte durante gli scontri del G8 di Genova. Il 31 dicembre 2011 suonano al concerto di capodanno in piazza a Modena, festeggiando il ventesimo della loro fondazione.

Il 26 marzo 2012 è uscito l'album Battaglione Alleato, un album corale dei Modena insieme agli Yonders di Luca Serio Bertolini, ai Popinga di Leonardo Sgavetti, ai Mutina Golem di Luciano Gaetani, ai Rossopiceno, ai LoGiCi Zen, agli Elizabeth, ai Nuju, ai Ned Ludd, a Jason McNiff (già più volte sul palco con i MCR), all'ex fisarmonicista Daniele Contardo, a Milo Brugnara (cantautore Trentino, vecchia conoscenza dei MCR dai tempi della Grande Famiglia) e all'artista reggae Lion D che narra le vicende dell'Operazione Tombola, episodio della seconda guerra mondiale.

Il 25 giugno 2012 il gruppo si esibisce allo Stadio Renato Dall'Ara in occasione del concerto Emilia: live; un evento organizzato per raccogliere fondi destinati ad aiutare le popolazioni colpite dal sisma. La band suona due brani (Viva la Vida e I Cento Passi) insieme, per l'occasione, con l'ex cantante del gruppo Stefano Bellotti.

L'estate 2012 segna l'inizio del "Modena City Busker Tour", un tour che ripropone tutti i pezzi del gruppo che sono stati suonati raramente (alcuni addirittura mai). I brani in scaletta sono stati scelti dai fan stessi della band tramite un apposito sondaggio sul sito ufficiale.

Niente di nuovo sul fronte occidentale.

Il 5 febbraio 2013 esce il loro tredicesimo album in studio intitolato Niente di nuovo sul fronte occidentale. È un doppio cd caratterizzato da un lato A e un lato B (per ricordare i vinili) denominati rispettivamente "Niente di nuovo" e "Sul fronte occidentale". Mentre il lato A ha un suono più elettrico e aggressivo, il lato B è un ritorno alle poetiche ballate dei primi tempi. Nella formazione si può notare l'abbandono di Luciano Gaetani (presente però in qualche canzone) e la collaborazione di Daniele Contardo, ex rambler.

Venti tour.
Il 15 marzo 2014, in occasione delle festività di San Patrizio organizzate dall'Estragon di Bologna ("Irlanda in Festa"), i Modena City Ramblers danno il via al VENTI tour. Si tratta del tour per festeggiare i vent'anni dall'uscita (nel 1994) di Riportando tutto a casa. Nella scaletta verranno riproposti i pezzi cult di un ventennio. La registrazione della serata verrà pubblicata in "Venti" doppio Cd e DVD, in uscita il 27 maggio 2014 Nell'ottobre 2014 incidono il brano Chi vola vale, inno del Modena Volley.

'Tracce clandestine' e Sentieri clandestini tour.
Il 24 marzo 2015 esce il disco Tracce clandestine, album che raccoglie brani che i Modena avevano inciso in raccolte o che hanno cantato più volte dal vivo, ma non avevano mai registrato. Ad aprire il disco c'è, appunto, Clandestino di Manu Chao. Partecipano al disco Alberto Bertoli, Dubioza Kolectiv, Eugenio Finardi, Uri Giné dei Bongo Botrako, La Pegatina, Stephane Mellino dei Les Négresses Vertes, Terry Woods dei The Pogues. Unico inedito The trumpets of Jericho. Segue un tour intitolato Sentieri clandestini.

Il tour dei 25 anni. In occasione delle festività di San Patrizio 2016, la band inaugura da Padova il tour dei 25 anni. Per l'eccezionalità della ricorrenza, la scaletta sarà composta da pezzi prevalentemente irish, a cui seguirà una scaletta a tema Resistenza per festeggiare il 25 aprile e il 1º maggio. Dopodiché la scaletta riproporrà 25 anni di canzoni, tra classici cavalli di battaglia e qualche chicca per i fan più accaniti.
Discografia.
1993 – Combat Folk
1994 – Riportando tutto a casa
1996 – La grande famiglia
1997 – Terra e libertà
1998 – Raccolti
1999 – Fuori campo
2002 – Radio Rebelde
2004 – ¡Viva la vida, muera la muerte!
2005 – Appunti partigiani
2006 – Dopo il lungo inverno
2008 – Bella ciao - Italian Combat Folk for the Masses
2009 – Onda libera
2011 – Sul tetto del mondo
2012 – Battaglione Alleato
2013 – Niente di nuovo sul fronte occidentale
2014 – Venti
2015 – Tracce clandestine

1.- Prison Break, ingegno, azione, thriller e suspense a cui fa da sfondo il retroscena della politica (The Final Break).

The Final Break
Prison Break: The Final Break è un film per la televisione diretto da Brad Turner (prima parte) e da Kevin Hooks (seconda parte) che determina la fine della serie televisiva Prison Break. Talvolta i due episodi sono non ufficialmente indicati come le puntate 23 e 24 della quarta stagione. Gli episodi sono ambientati due giorni dopo il finale della quarta stagione, si scoprono quindi diverse situazioni trovate nel flashforward e questo porterà ad avere un piano chiaro e completo delle storie di ogni personaggio.

2.- Prison Break, ingegno, azione, thriller e suspense a cui fa da sfondo il retroscena della politica (4a stagione).

Sara è ancora viva, mentre Bellick muore per una buona causa. Self si rivela essere un agente doppiogiochista che ha intenzione di vendere Scylla al miglior offerente: infatti, non appena ottenuto il marchingegno, scappa via lasciando i fratelli e gli altri con carte false, e mettendoli in grave difficoltà.
Riluttante, Lincoln decide di unirsi alla Compagnia per recuperare il prezioso oggetto, mentre invece Michael accetta di farsi operare dai medici dell'organizzazione capitanata dal generale Krantz quando scopre di soffrire per un amartoma nell'ipotalamo. Michael scopre che sua madre, Christina Rose Scofield, è ancora viva ed è un'agente della Compagnia.

3.- Dexter, il serial killer più amato della TV (7a stagione).

Dexter è una serie televisiva statunitense prodotta dal 2006.La storia ruota intorno al personaggio di Dexter Morgan, all'apparenza un tranquillo tecnico della polizia scientifica di Miami, in realtà un feroce e spietato serial killer, che però agisce seguendo un proprio rigoroso codice: uccidere soltanto criminali che sono sfuggiti alla giustizia.La serie è basata (solo per quanto riguarda la prima stagione) sul romanzo La mano sinistra di Dio di Jeff Lindsay. Esistono anche altri libri sul personaggio, sempre dello stesso autore, che seguono però una diversa continuity rispetto alla serie.

4.- Keny Arkana, il rap è semplicemente qualcosa che le è capitato.

Keny Arkana aveva solo dodici anni quando ha iniziato a scrivere i suoi primi testi. Cresciuta in casa, senza mai essere veramente andata a scuola, è bastato poco perché la sua voglia di ribellione confluisse nei suoi primi pezzi. “Erano già parecchio anti-educazione, anti-polizia, anti-giudici, anti-il cosiddetto programma di protezione minori, tutto ciò che allora era la mia vita”, spiega Keny. A darle la forza sono stati i fratelli maggiori dell’hip-hop francese e, ancora oggi, a Keny piace rappare pezzi di NTM e Assassin.

5.- H. P. Lovecraft uno dei maestri indiscussi della letteratura horror e di fantascienza.

Howard Phillips Lovecraft (Providence, 20 agosto 1890 – Providence, 15 marzo 1937) è stato uno scrittore, poeta, critico letterario e saggista statunitense, riconosciuto tra i maggiori scrittori di letteratura horror insieme ad Edgar Allan Poe e considerato da molti uno dei precursori della fantascienza angloamericana.
Autore di numerosi racconti, come Dagon, Il colore venuto dallo spazio, Il richiamo di Cthulhu e L'orrore di Dunwich, e di romanzi, tra cui Il caso di Charles Dexter Ward, Le montagne della follia e La maschera di Innsmouth, oltre ad alcuni racconti in versi, non molto apprezzato dai critici del suo tempo, probabilmente perché troppo straniante, non godette mai di buona fama se non dopo la sua morte.

6.- Paulem, la grande tradizione dell’Appennino emiliano romagnolo si rinnova.

Negli anni'60 alcuni amici della montagna modenese diedero vita ad un coro, da una piccola formazione iniziale. Esso aumentò ben presto il numero dei partecipanti diventando la più importante realtà corale del Frignano. Da quella formazione, qualche anno dopo, si distaccò un pool di musicisti uniti dall'amore per la rivalutazione di un folklore che sentivano ancora vivo e attivo. L'incontro con altri musicisti ha contribuito a dare una svolta culturale al gruppo che ha cominciato ad interpretare ed elaborare in modo originale canti e ballate tramandate dal passato che, per decenni, erano stati portatori di una cultura antica.

7.- Serial killer cinematografici (3a parte).

I serial killer nella finzione cinematografica da sempre hanno assunto un ruolo rilevante nel cinema horror. Sin dagli albori della cinematografia, infatti, la figura dello scienziato pazzo (Dr. Henry Jekyll, Dr. Mabuse) o del criminale dotato di poteri paranormali o frutto della perversione di un suo creatore (Dracula, Frankenstein, uomo invisibile) o più semplicemente scherzo della natura (uomo lupo, mostro della laguna nera), ha sviluppato la creatività di registi e sceneggiatori. Già dai primi anni trenta un'importante casa cinematografica, la Universal Pictures, fece di questi personaggi un suo cavallo di battaglia, lanciando nei cinema i famigerati Mostri della Universal.

8.- Symphony of Enchanted Lands II: The Dark Secret – Rhapsody of Fire

Etichetta: Magic Circle Music Records, Audioglobe Records
Prodotto da: Luca Turilli e Alessandro Staropoli
Registrato a: The House Of Arts Zin , Repubblica Ceca; Sanctuary Townhouse Studios, Londra.

“UN’ERA DI SANGUE DI OSCURE MEMORIE
RINASCE IN HARGOR PER NUOVO MAL
ELETTI IN ELGARD GUARDIANI DEL FATO
OR SONO E SARANNO I VERI EROI”

E’ tempo di grandi cambiamenti per i triestini Rhapsody of Fire: il nuovo bassista   francese Pratice Guers assoldato per sostituire il defezionario Alessandro Lotta. Poi il nuovo contratto con la  major Magic Circle Music Records (leggasi come “Manowar”) che ha dato a disposizione un elevato budget alla band, permettendo così di avere un’orchestra di ben 130 elementi più 40 coristi; ma non finisce qui, come narratore dell’abum viene ingaggiato niente meno che l’attore Christopher Lee.

9.- Divinità lovecraftiane un intero pantheon di divinità che regolano il suo universo fantastico. (3a parte).

Negli scritti di Howard Phillips Lovecraft si delinea un intero pantheon di divinità che regolano il suo universo fantastico.
Sebbene non tutti i critici siano d'accordo con questa distinzione, le divinità lovecraftiane possono essere suddivise in due macrocategorie: i Grandi Antichi e gli Dei Esterni.
I Grandi Antichi.
Nella mitologia elaborata da Lovecraft, i Grandi Antichi (Old Ones) sono creature semidivine maligne giunte sulla Terra dalle stelle ancora prima della comparsa della specie umana. 
Per ere interminabili essi hanno dominato il mondo ed edificato incredibili città, ma il loro potere era legato alle stelle e quando la configurazione cosmica mutò si dovettero ritirare nelle catacombe della città sottomarina di R'lyeh.

10.- Serial killer cinematografici (2a parte).

I serial killer nella finzione cinematografica da sempre hanno assunto un ruolo rilevante nel cinema horror. Sin dagli albori della cinematografia, infatti, la figura dello scienziato pazzo (Dr. Henry Jekyll, Dr. Mabuse) o del criminale dotato di poteri paranormali o frutto della perversione di un suo creatore (Dracula, Frankenstein, uomo invisibile) o più semplicemente scherzo della natura (uomo lupo, mostro della laguna nera), ha sviluppato la creatività di registi e sceneggiatori. Già dai primi anni trenta un'importante casa cinematografica, la Universal Pictures, fece di questi personaggi un suo cavallo di battaglia, lanciando nei cinema i famigerati Mostri della Universal. È stato sul finire degli anni settanta, però, e in tutti gli anni ottanta e seguenti che una serie di criminali, prevalentemente adusi all'omicidio di serie, ha creato una sfilza di saghe cinematografiche.

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Quando iniziarono a farsi più insistenti le voci di una prossima guerra in Iraq, sui newsgroup it.fan.musica.guccini e it.fan.musica.de-andre, sulla mailing list "Fabrizio", e sulla mailing list "Bielle" iniziò una raccolta spontanea di un gran numero di canzoni contro la guerra, che venivano postate ogni giorno sui gruppi suddetti. Questo sito promana quindi da una reazione spontanea da parte di un gruppo di persone che si oppongono alla guerra, ed hanno scelto di testimoniare questa loro opposizione mediante delle canzoni.

È morto Pinochet (La Famiglia Rossi)
11 settembre '73 (Talco)

9/11 (David Rovics)
A Pablo Neruda, con Chile en el corazón (Rafael Alberti)
A Salvador Allende en su combate por la vida (Pablo Milanés)

A Slow Waltz For Chile (Latin Quarter)
A Song for Chile (Ali Hughes)
A usted, señor, me dirijo (Quilapayún)
Adiós Carnaval, adiós General (Sol y LLuvia)
Al compagno presidente Salvador Allende (Fausto Amodei)
Al presidente de Chile Salvador Allende (Víctor Manuel)
Allende (Léo Ferré)
Allende (Mario Benedetti)
Allende (Moving Hearts)

Allende (Fabularasa)
Allende (Quilapayún)
Amor que m'ets amic (Lluís Llach)
Asesino (Fe de Ratas)
Auròst tà Victor Jara (Nadau)
Balada del que nunca fue a Granada (Paco Ibáñez)

Ballata dello stadio di Santiago (Dario Fo)
Blues för Victor Jara (Cornelis Vreeswijk)

Breve Consideração à Margem do Ano Assassino de 1973 (Vinícius de Moraes)

Cân Victor Jara (Dafydd Iwan)
Canción a Víctor (Inti Illimani)
Canción final (o Cuando se fue) (Patricio Castillo)
Cancion del Poder Popular (Inti Illimani)
Cantata Santa María de Iquique (Quilapayún)
Canto a los caídos (Inti Illimani)
Canto nomade per un prigioniero politico (Banco Del Mutuo Soccorso)
Carretera Austral (Modena City Ramblers)
Celebración (Cenzi)
Chanson pour Victor Jara (Michel Bühler)
Chile herido (Inti Illimani)
Chile resistencia (Inti Illimani)
Chile Your Waters Run Red Through Soweto (Sweet Honey in the Rock)
Chile [Der Kameramann] (Wolf Biermann)

Colaguachi (Ángel Parra)
Compañero Presidente (Pedro Gofo)
Compañero presidente (Ángel Parra)
Compañero Presidente (Rolando Alarcón)
Compañero Salvador (Tito Fernández)
Con toda la gente (Isabel Parra)
Creemos el hombre nuevo (Inti Illimani)
Cuando amaneció (o Cuando apareció) (Patricio Castillo)
Dónde están (Quilapayún)
Dieciocho de Agosto (Raúl Acevedo)

Dime soldado chileno (Tiempo Nuevo)
Donde está mi hermano (José Cerpa)
Due magliette rosse (Modena City Ramblers)

El corazón de la puna (Ángel Parra)
El detenido (Los Bunkers)
El equipaje del destierro (Patricio Manns)
El novio raptado (Ángel Parra)
El Plan Leopardo (Quilapayún)
El regreso (Ángel Parra)
El soldado ciego (Patricio Castillo)
Elegía a Salvador Allende (Carlos Puebla)

Elegi för Salvador Allende (Björn Afzelius)
En la playa, el amor (Isabel Parra)
Estadi Xile (Feliu Ventura)
Estadio Chile (Víctor Jara)

Fecundidad (Ángel Parra)
General Prats, usted tenía razón (Quilapayún)

Grito serás del continente (Isabel Parra)
Gwerz Victor C'hara (Gilles Servat)

Han matado una guitarra (Dario Fo)
Hay Una Mujer Desaparecida (Holly Near)
Historia de Protestópolis (Raúl Acevedo)
Il Cile è già un altro Vietnam (Morto Allende) (Alfredo Bandelli)

Il generale (Laboratori didattici alla Scuola media statale A. Gramsci di Roma)
Il giorno del falco (Pippo Pollina)
Il suo nome era Victor (Briganda)
Isla Dawson (Offlaga Disco Pax)
La dignidad se hace costumbre (Patricio Manns)
La Péna (Ryan Harvey)
La patria prisionera (Inti Illimani)

La prueba del amor (Ángel Parra)
La Represión (Quilapayún)
La sangre y la letra (Ángel Parra)
Las ollitas (Quilapayún)
Le bruit des bottes (Jean Ferrat)
Lettre à Kissinger (Julos Beaucarne)
Llanto por Víctor Jara (Canzoniere delle Lame)

Mamita [Till det blödande Chile] (Björn Afzelius)
Matador (Los Fabulosos Cadillacs)
Miguel Enríquez (Ángel Parra)

Muerte y resurrección de Víctor Jara (o Despedida y resurrección de Víctor Jara) (Patricio Manns)
Nada Menos, Nada Más (SubVerso)
Ni toda la tierra entera (Isabel Parra)
No me gusta no (Isabel Parra)

No seré un verdugo (Ángel Parra)
Para que nunca más (Sol y LLuvia)
Per liberare la mia terra (Giorgio Lo Cascio)
Piccola canzone per Victor Jara (Stefano Giaccone)
Pisagua (Los De Marras)
Pisagua 1973 (Los Miserables)
Pisagua 1990 (Francisco Villa)
Plegaria Por Víctor Jara (Raíces de América)
Poder elegir (Los Prisioneros)
Por todo Chile (Daniel Viglietti)
Por Víctor Jara y su justa venganza (Romance por tientos) (Manuel Gerena)

Punto de vista (sobre Pinochet) (Carlos Puebla)
Retrato (Inti Illimani)
Salvador (Nomadi)
Santiago (Litfiba)
Santiago (David Rovics)
Santiago (Briganda)
Santiago de Chile (Silvio Rodríguez)
September 11th (McKenry & Watson)
Si el canto salió de Chile (Isabel Parra)

Subra sa losa de Salvador Allende (Frantziscu Màsala / Francesco Masala)
The Death Of Victor Jara (Rod MacDonald)

The Hands Of Victor Jara (Chuck Brodsky)

The Rifle And The Song (To Victor Jara) (David Rodriguez)

The White Bones Of Allende (Tom Paxton)

They Dance Alone (Cueca Solo) (Sting)

Tiempo de ayuno (Ángel Parra)
Todas las lluvias (Inti Illimani)
Tutti hanno un cuore (Francesco De Gregori)

Un silbido en la niebla (Ángel Parra)
Undici settembre (Ultimo Attuale Corpo Sonoro)

Valparaiso (Annie Nobel)
Valparaiso 10/09/1973 (Andrea Maffei & Spritz Band)

Venceremos - We will win (Working Week)

Victor Jara (Gérard-André Gaillard)

Victor Jara (Alberto Cesa)
Victor Jara (Arlo Guthrie)
Victor Jara (Hoola Bandoola Band)
Vino del mar (Inti Illimani)
Violetas para Violeta (Joaquín Sabina)
Volveremos (Ángel Parra)
Washington Bullets (The Clash)
We Will Fight (Jack Warshaw)
Xileko langileria (Errobi)
Yo pisaré las calles nuevamente (Pablo Milanés)

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